miércoles, 29 de diciembre de 2010

"El Arte no reproduce lo visible, lo hace visible" Paul Klee (1879 - 1940)

Partiendo de esta frase del artista Paul klee (nacido en Suiza, aunque la mayor parte de su vida estuvo radicado en Alemania) invito a hacer una reflexión.

Desde distintos aspectos, momentos y espacios se han analizado y se han discutido qué mensajes transmiten las obras de arte de épocas pasadas en relación con las obras actuales de donde surge un análisis que conduce a una comparación.

Los críticos especializados en arte expresan que en el pasado, el lugar del espectador se remitía a un encuentro con la obra de arte, en donde su contenido era transitado o vivido desde la contemplación, es decir, que se relacionaba con la obra solo a través de la realidad que el artista hacía visible.

Ahora bien deberíamos preguntarnos ¿qué es lo que el artista hacía visible?

Por otro lado, en la actualidad se sostiene que el espectador es parte de la obra o termina la obra y que se requiere una mayor información para comprenderla, para ejemplificar mejor este punto cito al párrafo del libro: Estética. La cuestión del arte de Elena Oliveras*, (pág. 45-46):

“…Frente a los objetos ambiguos del arte contemporáneo, el espectador -provisto de información teórica e histórica-, debe decidir si eso que se le enfrenta es o no una obra de arte. Se vuelve así responsable de una definición de arte .El placer contemplativo, cuasi religioso, dará paso entonces a un placer reflexivo…”

“…El comportamiento teórico del espectador que acepta la problematicidad del arte no supone la supresión del goce…”

En nuestra época podemos analizar y profundizar estos aspectos del arte desde un lugar distinto, porque contamos con amplia variedad de reflexiones que nos aportaron grandes pensadores, así como los especializados en esta disciplina.

Sin embargo considero que estos conceptos que se han extendido en la actualidad, gozan de demasiada simplificación no solo hacia el espectador del pasado sino que también simplifica al artista. Es más, diría que se desvaloriza todo aquello que sea una aparente representación de la realidad.

Ver no es lo mismo que observar, y si se observa detenidamente se hallarán con un arte que está colmado de contenidos, con mensajes ocultos, con elementos cargados de simbología, además del desarrollo de un tema en particular, del dominio del espacio y la luz, del estilo histórico, de la interpretación personal del artista, de la innovación, del virtuosismo. Si bien estos aspectos que destaco no se han puesto en discusión se omiten al momento de explicar el mensaje de estas obras.

Volviendo a mi pregunta: lo que el artista hacía visible no era de ninguna manera una imagen solo para ser contemplada, estaba también pensada para ser reflexionada. Los espectadores del pasado no podían interactuar con las obras, ni formar parte de ellas, como hoy, pero más allá del goce estético, inquietaban al espectador, y eran igualmente movilizadoras como lo son en la actualidad.

Por otro lado la mayoría de los espectadores que concurren a ver una muestra contemporánea no poseen siempre la información necesaria para desempeñar ese rol que se espera de ellos y se disuelve lo que se persigue, en algunos casos hay un total desencuentro. Aunque esta situación lentamente se ha estado revirtiendo. En el pasado también se produjeron desencuentros. La mayoría de los espectadores no tenían todos los elementos para valorar en todo su contexto la obra que sus ojos contemplaban. Por eso a modo de completar esta reflexión presento una explicación de una obra realizada en el año 1434; se llama “El matrimonio Arnolfini “, del artista Jan Van Eyck (1390 - 1441) , es una pintura al óleo sobre madera de roble y se halla en la National Gallery, de Londres.

El primer dato a de esta obra a descubrir es que se refiere al matrimonio de una familia adinerada, se sabe que era unos poderosos comerciantes, de Flandes y eso está manifiesto en el detenido detalle de toda la escena. En esta familia había dos varones, se ha creído que el representado es Giovanni Arnolfini y la mujer Giovanna Cenami, pero un dato pone en duda esta teoría, el gesto del él de tenderle la mano implica la superioridad social ante esta mujer, que de ser Giovanna sería al revés dado que ella era de una clase superior a la de su esposo. En base a esto los investigadores creen que el retratado es de Michele Arnolfini, el otro hermano y que la dama es Elizabeth y que pertenecía a una familia no conocida por lo que su gesto sería el de protegerla e introducirla a un nivel social superior al de su cuna. Por otro lado la posición en la sociedad de ambos está enmarcada en sus gestos, él con una mirada rígida, con un paso adelante de su mujer, alza su otra mano, en una actitud de dar posiblemente bendición o la ostentación de su poder, su vestimenta tiene un color sobrio, pero las pieles marta que adornan su prenda, son un detalle de lujo. Ella ostenta una vestimenta que contiene mayor detalle, de colores vivos, con pieles de armiño, complementando su vestuario con varios anillos en una de sus manos, un collar y un cinturón de brocato todo de oro, su actitud es sumisa, con la cabeza inclinada y su mirada descendida la dirige a su marido, ubicada un paso más atrás de él, ofreciéndole su mano para ser conducida, y con la otra sosteniendo su vestido y señalando su compromiso con el matrimonio de dar descendencia, el vestido de moda que lleva provocaba una deformación en la anatomía de la mujer que hizo pensar que la desposada estaba embarazada .Finalmente con respecto a la vestimenta que portan los protagonistas del cuadro se plantea una contradicción, ellos están muy abrigados, supone entonces esto que estamos en una época fría ,pero la ventana de la habitación está abierta, eso significa que estaríamos en una época de verano o primavera, por lo tanto la explicación de su ropaje es para reforzar la idea de su riqueza y poder.

Con respecto al lugar que rodea a estos personajes nos hallamos con varios detalles significativos (mirando la figura 1):

La alfombra era un artículo que no muchas personas poseían, procedía de Anatolia, el objeto es relatar la fortuna.

El cabezal, tiene una escultura tallada en madera de la Santa Margarita que es la patrona de los alumbramientos, la imagen es la de una mujer con un dragón a sus pies.

La cama, para la nobleza o realeza la cama tiene relación con la continuidad del linaje o apellido. Para todos representaba el lugar donde se nace y se muere. El color roja reafirma la idea de la pasión.

Los zuecos, los zuecos tirados en el piso es señal de que se está celebrando la ceremonia religiosa, por lo tanto ellos están descalzos, en esta época se creía que pisar el suelo del hogar descalzo aseguraba la fertilidad, los de ella, cerca de la cama, simbolizan que es la encargada del hogar, y los de él más próximos al mundo exterior simbolizando que es el encargado de llevar la prosperidad al hogar.

El perro, en los retratos estos animales suelen representar la fidelidad y el amor terrenal.

La lámpara, en la lámpara arde una sola vela, es símbolo de que el ojo de Dios todo le ve, y también era costumbre encender una vela junto al lecho de los recién casados para estimular la fertilidad.

Las naranjas, estas frutas que procedían del sur de Europa eran un lujo en el norte, aludían también a la procedencia de los retratados, a la vez simbolizaban una alusión al pecado del hombre que iba a ser santificado por el ritual del matrimonio.


Con respecto a la figura nº2 -Detalle del espejo-

Vemos que en la escena central de la habitación se halla un espejo. Eran muy populares en esta época dado que se usaban para espantar la mala suerte y se ubicaban cerca de las ventanas para generar efectos lumínicos.

El rosario era de cristal, y era un presente que el novio daba a su futura esposa. El cristal era símbolo de pureza y el rosario sugiere la virtud que la novia debía guardar así como su obligación de ser devota.

La firma, en una florida escritura gótica el artista firma pero agrega que él estuvo allí, como testigo de boda quizás.

El reflejo del espejo según los estudiosos del arte fue el primero en usar este recurso, en el se refleja toda la habitación, más dos personajes cercanos a la puerta que están observando la escena y que se cree que uno de ellos sería el artista el que está vestido de azul.

La vía crucis aparece alrededor del espejo y simboliza la fe cristiana y los sacrificios que los esposos deben pasar.

La escobilla es en representación a Santa Marta que junto a Santa Margarita representan el alumbramiento, compartiendo un igual significado, su presencia sería la de reforzar aún más esta función del matrimonio.

Conclusión

Está obra representa un estilo de pintura de una determinada época, con un relato muy detallado de la descripción social imperante, del contexto religioso, en un momento histórico, de un virtuosismo de parte del artista con el agregado de su propia interpretación más el aporte de una innovación pictórica.

Pero también está cargada de significados y metáforas, de mensajes ocultos y de una atmosfera de misterio.

Aunque mi objetivo no es hacer un exhaustivo análisis del cuadro hay un par de interrogantes como: no está la presencia de ningún religioso que oficie en este matrimonio que demuestra ser cristiano, esto abre la puerta a muchas reflexiones incluso a las del propio artista con respecto a este tema. Una de ellas era que en esta época se podía celebrar un matrimonio con personas que oficiaran como testigos y se firmara por escrito, si esto es así como era entendido el lugar de la iglesia. La mirada de ambos despierta un diálogo que no coincide con la explicación que se hace de esta escena. La gárgola símbolo de maldad que queda por encima de las manos de ambos ¿qué desea significar? Y a pesar de que hay muchos aspectos más a desmenuzar, cierro esta ejemplificación con el juego discursivo del espejo, que establece la certificación de que existe más de una manera de ver una escena, de comprender un concepto, de decir algo y si dudas de expresarlo plásticamente.

Si bien es cierto que los artistas en algunos momentos históricos no tuvieron absoluta libertad para expresar su pensamiento, la obra era realizada en una composición socialmente aceptada por las normas de la época pero a la vez siempre añadían de una manera velada o no su concepto, su visión y su compresión.

Por esta razón no comparto el concepto de definir estas y otras tantas obras como solo descriptivas. Hay muchos ejemplos para dar, pienso que el arte siempre debe ser valorado como una forma de pensamiento, una manera de inquietar el alma, un llamado a la reflexión, y que la reflexión no es algo que se ha propuesto únicamente en esta actualidad.

Todas las obras que han perdurado a través de la historia del arte guardan su significado en lo que muestran, en cómo lo muestran, y en lo que no muestran. Imaginen un espectador de esta época cómo vería este cuadro ¿comprendería todos los mensajes?, más allá de ver que mostraban una vida plena de riqueza y poder, para ser entendido completamente hubiera necesitado de una información, no es esto lo que se requiere también para entender el arte de hoy, es más ¿le hubiera parecido que era una obra de arte? Por que se cree que en esa épocas no se pudieron plantear está pregunta frente a como un determinado artista resolvía su obra.

Todo debe ser llevado al análisis o generar nuevos planteos porque aporta siempre una mayor comprensión. Sin embargo en este proceso, en donde se producen irremediablemente comparaciones estas conducen en ocasiones a que algo de su contexto se pierda, y considero que nada debe perderse, lo importante es tomar las obras de cada época y describir todo la riqueza que contienen, cada momento en el arte no importa en que momento histórico estemos siempre habla y reflexiona.

Estela Alicia Mancini

*Imagen I, El matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck, 1434; Imagen II, Detalle del espejo


BIBLIOGRAFIA CONSULTADA

-GUÍA VISUAL DE PINTURA Y ARQUITECTURA, textos de Robert Cummnig, edición especial por el Diario La Nación, 1997, Santiago de Chile.
-ESTETICA. LA CUESTION DEL ARTE, de Elena Oliveras, Editorial Emecé arte, Buenos Aires 2007

-Página de Internet consultada:
www.es.wikipedia.org/.../Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa
www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/21.htm

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